Qu'est-ce que l'art ? Définitions et évolutions.

Notion

8 min de lectureDe l'Antiquité à nos jours

Un urinoir peut-il être une œuvre d'art ? En 1917, Marcel Duchamp en présente un sous le titre Fontaine, et la question n'a plus cessé de se poser. Définir l'art est un vrai défi, car le mot a changé de sens au fil de l'histoire. Il vient du latin ars, qui traduit le grec technè : à l'origine, il désigne un savoir-faire dans n'importe quel domaine, celui du général comme celui du sculpteur. Cette fiche suit les grandes étapes de cette évolution.

Pendant des siècles, une œuvre vaut par la mimèsis, sa capacité à imiter la nature, comme un portrait qui semble vivant. Vers 1746, Charles Batteux regroupe peinture, sculpture, musique, poésie et danse sous le nom de « Beaux-Arts ». En 1790, Kant achève la séparation avec l'artisanat. Pensez à une chaise et à un tableau : la première sert à s'asseoir, le second est fait pour être contemplé, pour un plaisir désintéressé. Vers 1839, la photographie prive ensuite la peinture de sa fonction d'imitation. Au XIXe siècle, Théophile Gautier défend « l'art pour l'art », une œuvre qui ne sert qu'à elle-même. Au XXe siècle, Arthur Danto avance une théorie institutionnelle : est art ce que le « monde de l'art » reconnaît comme tel.

Quelques œuvres jalonnent ce parcours. Le Discobole de Myron (vers 450 av. J.-C.) incarne l'idéal grec d'une imitation parfaite. La Joconde de Léonard de Vinci (1503-1506) fait de l'artiste un génie créateur, et non plus un simple artisan. Composition VII de Kandinsky (1913) libère la peinture de toute représentation. En 2010, au MoMA, Marina Abramović fait de sa seule présence face au public une œuvre, The Artist Is Present. À l'oral, évitez le contresens classique : l'art ne se confond pas avec le beau, et il peut montrer le laid pour faire réfléchir.

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Définition

Définir l'art est un vrai défi, car le mot a changé de sens au fil de l'histoire. Il n'existe aucune définition valable pour toutes les époques. Le mot vient du latin ars, qui traduit le grec technè (la technique). Dans l'Antiquité et jusqu'à la Renaissance, l'art désigne un savoir-faire dans n'importe quel domaine : l'ensemble des procédés pour bien produire. Un bon général, un bon artisan ou un bon sculpteur maîtrisent tous un « art ».

Quatre notions pour suivre cette évolution :

Mimèsis : le principe d'imitation de la nature. De Platon jusqu'au XIXe siècle, une œuvre vaut par sa capacité à copier le réel avec talent, comme un portrait qui semble vivant.
Beaux-Arts : vers 1746, Charles Batteux regroupe sous ce nom la peinture, la sculpture, la musique, la poésie et la danse. En 1790, dans la Critique de la faculté de juger, Kant sépare l'artisanat, qui fabrique des objets utiles, des Beaux-Arts, qui visent un plaisir désintéressé. Une chaise sert à s'asseoir ; un tableau est fait pour être contemplé. C'est la naissance de l'esthétique moderne (la réflexion sur le beau) : l'art devient une activité libre, issue du « génie » de l'artiste.
L'art pour l'art : au XIXe siècle, Théophile Gautier affirme que l'œuvre ne doit servir à rien d'autre qu'à elle-même. Elle n'a pas à faire la morale ni à défendre une cause.
Théorie institutionnelle : au XXe siècle, le philosophe Arthur Danto estime qu'une œuvre est d'abord ce que le « monde de l'art » (musées, galeries, critiques) reconnaît comme tel. Un urinoir, la Fontaine de Duchamp (1917), devient ainsi une œuvre.

Le contresens à éviter : confondre art et beauté. L'art peut montrer le laid ou le dégoûtant pour faire réfléchir.

Contexte

Historiquement, la conception de l'art est inséparable des structures sociales, religieuses et technologiques. Dans l'Antiquité, Platon voyait dans l'art une simple copie d'une copie (la mimèsis), l'éloignant de la vérité des Idées. Au Moyen Âge, l'art est essentiellement au service de la foi : anonyme et didactique, il vise à éduquer les illettrés et à glorifier Dieu. Les œuvres sont fonctionnelles, intégrées dans l'architecture des cathédrales.

La Renaissance italienne constitue une rupture. Grâce au mécénat de riches familles (comme les Médicis), les artistes signent leurs œuvres, étudient l'anatomie et la perspective, et acquièrent un statut d'intellectuel. Les Académies, qui se développent à partir du XVIIe siècle (telle l'Académie royale de peinture et de sculpture en France, 1648), institutionnalisent l'art, fixent ses règles et sa hiérarchie, plaçant la peinture d'histoire au sommet.

Le XIXe siècle est le grand moment de la fracture. La Révolution industrielle, la montée de la bourgeoisie, et surtout l'invention de la photographie (~1839) privent la peinture de sa fonction première d'imitation du réel. En parallèle, l'artiste romantique se rêve en individu libre, en marge de la société et des règles académiques. Ce mouvement d'autonomisation mènera aux avant-gardes et à la remise en question radicale de toutes les conventions.

Mécanismes

La *mimèsis* : Au cœur de la conception classique, c'est le principe selon lequel l'art doit imiter ou représenter la nature et la réalité. Ce fut l'objectif principal de l'art occidental pendant des siècles, avant d'être remis en cause par l'art moderne.

L'autonomie de l'art : Théorisée au XIXe siècle par des figures comme Théophile Gautier avec le slogan « l'art pour l'art », cette idée postule que la valeur de l'œuvre est purement esthétique et indépendante de toute fonction morale, religieuse ou politique. L'art devient sa propre fin.

La théorie institutionnelle : Développée au XXe siècle par des philosophes comme Arthur Danto, cette théorie avance qu'une œuvre d'art n'est pas définie par ses propriétés intrinsèques (beauté, technicité) mais par son acceptation par le « monde de l'art » (Artworld). Est une œuvre d'art ce qu'une galerie expose, ce qu'un critique commente, ce qu'un musée conserve. C'est l'institution qui « fait » l'art.

La rupture et l'originalité : Depuis la modernité, l'un des moteurs de l'art est la quête d'originalité, souvent par la rupture avec la tradition. Les avant-gardes (cubisme, surréalisme, etc.) se sont construites en opposition aux formes d'art précédentes, faisant de l'innovation et de la transgression des valeurs cardinales.

Enjeux & débats

1) L'art doit-il être beau ? La question de la beauté a longtemps été centrale. Mais depuis le XXe siècle, de nombreux artistes explorent d'autres registres : le laid, le choquant, le dérangeant, ou l'indifférence visuelle (comme chez Duchamp). L'art conceptuel, par exemple, privilégie la pertinence de l'idée sur l'esthétique de l'objet. Le débat oppose une vision classique de l'art comme source de plaisir esthétique à une vision moderne où l'art est un outil de questionnement, qui peut et parfois doit bousculer le spectateur.

2) L'art est-il universel ? Une œuvre peut-elle être appréciée par tous, indépendamment de l'époque et de la culture ? D'un côté, on peut penser que les grandes émotions humaines (joie, tristesse, colère) mises en forme par l'art peuvent toucher universellement. De l'autre, la sociologie de l'art (Pierre Bourdieu) a montré que l'appréciation des œuvres, notamment les plus complexes, nécessite un capital culturel et des codes spécifiques. Comprendre le Carré blanc sur fond blanc de Malevitch demande plus de contexte que d'admirer La Joconde.

3) Quelle est la frontière entre art, artisanat et design ? La distinction repose-t-elle sur l'unicité de l'œuvre (l'art) contre la reproductibilité de l'objet (l'artisanat) ? Sur l'intention (visée esthétique pour l'art, visée fonctionnelle pour le design) ? Aujourd'hui, les frontières sont floues : des designers sont exposés dans des musées et des artistes collaborent avec des marques de luxe. La question reste ouverte et se redéfinit constamment.

Exemples

*Le Discobole* de Myron (vers 450 av. J.-C.) : L'incarnation de l'idéal grec. Une maîtrise technique (technè) parfaite au service d'une imitation idéalisée de la nature (mimèsis).
*La Joconde* de Léonard de Vinci (1503-1506) : Symbole de l'artiste de la Renaissance qui dépasse le statut d'artisan pour devenir un génie créateur, capable de capturer l'insaisissable (l'âme, une émotion).
*Impression, soleil levant* de Claude Monet (1872) : Toile fondatrice de l'impressionnisme qui illustre le début de la rupture avec la mimèsis. L'important n'est plus le sujet, mais la perception subjective de l'artiste face à la lumière.
*Fontaine* de Marcel Duchamp (1917) : Un urinoir présenté comme une œuvre. Ce ready-made acte la naissance de l'art conceptuel : l'art n'est plus dans l'objet mais dans la décision de l'artiste et le contexte qui l'accueille.
*Composition VII* de Vassily Kandinsky (1913) : Une des œuvres fondatrices de l'abstraction. La peinture se libère de toute obligation de représentation pour devenir un langage purement visuel de formes et de couleurs, censé exprimer la « nécessité intérieure » de l'artiste.
*The Artist Is Present* de Marina Abramović (MoMA, 2010) : Exemple d'art performance. L'œuvre n'est plus un objet mais une action, une expérience immatérielle et relationnelle entre l'artiste et le public, questionnant la présence, la durée et l'endurance.

Pièges & confusions

Penser qu'il existe une seule définition de l'art, valable pour toutes les époques.
Juger toute forme d'art selon les critères de l'art classique (beauté, ressemblance, virtuosité technique).
Confondre art et beauté. L'art peut explorer la laideur, le dégoût ou le non-esthétique pour faire réfléchir.
Négliger le contexte. Croire qu'une œuvre d'art contemporain se suffit à elle-même, sans comprendre le rôle de l'institution (musée, galerie) et du discours qui l'entoure.
Réduire l'art à une simple opinion subjective (« j'aime / j'aime pas ») sans chercher à comprendre l'intention de l'artiste et sa place dans l'histoire de l'art.

Usage concours / oral

Pour briller, il faut montrer que vous maîtrisez l'historicité de la notion. Commencez par une phrase d'accroche nuancée comme : « La question “Qu'est-ce que l'art ?” appelle moins une définition qu'une histoire, celle d'une notion dont les frontières n'ont cessé d'être redéfinies. »

Mobilisez les concepts clés : passez de la technè grecque à l'autonomie de « l'art pour l'art », jusqu'à la « théorie institutionnelle » qui prévaut aujourd'hui pour l'art contemporain. Montrez que vous comprenez les points de bascule : la Renaissance, l'invention de la photographie et les ready-mades de Duchamp.

Utilisez des exemples précis et variés pour illustrer votre propos. Savoir comparer la finalité du Discobole de Myron, de La Joconde et de Fontaine de Duchamp est une excellente manière de démontrer une compréhension profonde des transformations du statut de l'art.

Sources

Qu'est-ce que l'art ? - France Culture
Art - Definition, History, & Facts - Britannica
Qu'est-ce que l'art ? par Nathalie Heinich
L'art : une notion philosophique en évolution
L'art est-il utile ? Avec l'artiste ORLAN

Repères clés

Mimèsis
Principe d'imitation ou de représentation de la nature. Il fut le fondement de la théorie de l'art occidental, de Platon jusqu'à sa remise en cause au XIXe siècle.
1917
Marcel Duchamp expose Fontaine, un urinoir. Cet acte radical marque la naissance du ready-made et de l'art conceptuel, où l'idée de l'artiste prime sur l'objet.
L'œuvre originale a été refusée à l'exposition des Artistes Indépendants de New York.
Emmanuel Kant
Dans sa Critique de la faculté de juger (1790), il sépare l'art (finalité sans fin, jeu libre de l'imagination) et l'artisanat (travail, but utilitaire), fondant l'esthétique moderne.
L'art pour l'art
Doctrine apparue au XIXe siècle (Théophile Gautier) affirmant l'autonomie totale de l'art. L'œuvre d'art ne doit avoir aucune autre fonction (morale, politique, utile) qu'elle-même.
c. 1746
Charles Batteux publie Les Beaux-Arts réduits à un même principe, ouvrage qui popularise et codifie la catégorie des « Beaux-Arts » (peinture, sculpture, musique, poésie, danse), distinguant définitivement l'artiste de l'artisan.